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Inside Out (película de 2015) - Wikipedia, la enciclopedia libre
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Inside Out
Título Intensamente (Latinoamérica)
Del revés (España)
Ficha técnica
Dirección
Producción Jonas Rivera
Guion Pete Docter
Meg LeFauve
Josh Cooley
Historia Pete Docter
Ronnie del Carmen
Música Michael Giacchino
Montaje Kevin Nolting
Guion gráfico Domee Shi
Protagonistas Amy Poehler
Phyllis Smith
Richard Kind
Bill Hader
Lewis Black
Mindy Kaling
Kaitlyn Dias
Diane Lane
Kyle MacLachlan
Ver todos los créditos (IMDb)
Datos y cifras
País Bandera de Estados Unidos Estados Unidos
Año 2015
Estreno 18 de mayo de 2015 (Cannes)
19 de junio de 2025 (Estados Unidos)
Género Animación
Comedia dramática
Aventura
Duración 94 minutos
Idioma(s) Inglés
Compañías
Productora Pixar Animation Studios
Distribución Walt Disney Studios Motion Pictures[a]​
Presupuesto 175 millones de USD[1]​
Recaudación 858.8 millones de USD[2]​
Inside Out
Inside Out
Películas de Pixar
Inside Out
Ficha en IMDb
Ficha en FilmAffinity
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Inside Out (conocida en Hispanoamérica como Intensamente y en España como Del revés) es una película de animación estadounidense de 2015 producida por Pixar Animation Studios para Walt Disney Pictures. Fue dirigida por Pete Docter a partir de un guion que escribió junto a Meg LeFauve y Josh Cooley. Cuenta con las voces de Amy Poehler, Phyllis Smith, Richard Kind, Bill Hader, Lewis Black, Mindy Kaling, Kaitlyn Dias, Diane Lane y Kyle MacLachlan. La trama sigue el funcionamiento interno de la mente de Riley, una niña que se adapta al traslado de su familia mientras cinco emociones personificadas administran sus pensamientos y acciones.

Docter concibió Inside Out en octubre de 2009 tras observar cambios en la personalidad de su hija a medida que crecía. Posteriormente se dio luz verde al proyecto, y Docter y el codirector Ronnie del Carmen desarrollaron la historia, al tiempo que consultaban a psicólogos y neurocientíficos en un esfuerzo por retratar con precisión la mente. El desarrollo duró cinco años y medio, con un presupuesto aproximado de 175 millones de dólares. Cambios significativos en la historia y los personajes retrasaron el calendario de producción de la película.

Inside Out se estrenó en la 68 edición del Festival de Cannes el 18 de mayo de 2015 y en los Estados Unidos el 19 de junio. Recibió elogios de la crítica por su artesanía, guion, temática, argumento e interpretaciones vocales, especialmente las de Poehler, Smith, Kind, Hader, Kaling y Black. El National Board of Review y el American Film Institute lo nombraron una de las diez mejores películas de 2015. Recaudó 858,8 millones de dólares en todo el mundo y terminó su andadura en los cines como la séptima película más taquillera de 2015. Ha sido nominada a dos premios en la 88.ª edición de los Premios Óscar, ganando el de Mejor Película de Animación, y recibió otros numerosos galardones. La revista filosófica Film and Philosophy lo reconoció como una de las mejores películas de animación de la historia. La secuela, Inside Out 2, se estrenó en 2024.

Argumento

En la mente de una joven llamada Riley Andersen hay cinco emociones personificadas que influyen en sus acciones: Alegría, Tristeza, Miedo, Desagrado e Ira. Las experiencias de Riley se convierten en recuerdos que se almacenan como orbes de colores y se envían a la memoria a largo plazo cada noche. Los aspectos de los cinco «recuerdos centrales» más importantes de su personalidad adoptan la forma de cinco islas flotantes. Alegría actúa como líder e intenta limitar la influencia de Tristeza, percibiéndola como una carga innecesaria para Riley.

A los 11 años, Riley se traslada de Minnesota a San Francisco por el nuevo trabajo de su padre. El primer día de Riley en su nuevo colegio, Tristeza entristece retroactivamente los recuerdos alegres, haciendo que Riley llore delante de su clase. Esto crea el primer recuerdo triste de Riley. Alegría intenta deshacerse del recuerdo utilizando un tubo neumático, pero durante una lucha con Tristeza se desprenden los demás recuerdos del núcleo, inutilizando las islas de personalidad. Alegría, Tristeza y los recuerdos centrales son succionados fuera de la Sede.

En ausencia de Alegría y Tristeza, Ira, Miedo y Desagrado intentan crear recuerdos básicos felices, pero los resultados son desastrosos, distanciando a Riley de sus padres, compañeros y aficiones. Sin los recuerdos centrales, la Ira hace que las islas de personalidad de Riley se desmoronen y caigan en el «Vertedero de Recuerdos», donde las cosas se desvanecen hasta la inexistencia a medida que se olvidan.

Mientras navegan por la vasta zona de la memoria a largo plazo, Alegría y Tristeza se encuentran con Bing Bong, el amigo imaginario de Riley, que sugiere montar en el «tren del pensamiento» de vuelta a la Sede. Mientras tanto, Ira, con la intención de restaurar la felicidad de Riley, convence a Desagrado y Miedo de que Riley debe huir a Minnesota, donde se formaron sus recuerdos felices. Alegría, Tristeza y Bing Bong cogen el tren, pero éste descarrila al derrumbarse otra isla. Alegría, que teme que todos los recuerdos centrales se vuelvan tristes, abandona a Tristeza e intenta montar en un «tubo de recuerdo» para volver a la Sede. El suelo bajo el tubo se derrumba y Alegría y Bing Bong se sumergen en el vertedero de recuerdos.

Alegría descubre un triste recuerdo de perder un partido de hockey que se volvió feliz cuando los padres y amigos de Riley la consolaron, y se da cuenta del propósito de Tristeza de alertar a los demás cuando Riley está emocionalmente abrumada y necesita ayuda. Alegría y Bing Bong intentan utilizar su cohete vagón alimentado por canciones para escapar del Vertedero de Recuerdos, pero son incapaces de ascender debido a su peso combinado. Bing Bong salta del vagón para salvar a Alegría y se desvanece en el Vertedero de la Memoria, olvidado.

La idea de Ira desactiva la consola, sumiendo a Riley en una depresión mientras sube a un autobús con destino a Minnesota. Alegría se reúne con Tristeza y regresan al Cuartel General. Alegría entrega el control de la consola a Tristeza, que la reactiva y devuelve a Riley a sus padres. Mientras Tristeza reinstala los recuerdos del núcleo, transformándolos de felices a tristes, Riley les dice a sus padres que echa de menos su antigua vida. Los padres de Riley la consuelan y le dicen que también echan de menos Minnesota.

Alegría y Tristeza trabajan juntas en la consola, creando un nuevo recuerdo central que es a la vez feliz y triste, y se forma una nueva isla, que representa la aceptación de Riley de su vida en San Francisco. Un año después, una Riley de 12 años se ha adaptado a su nuevo hogar, ha hecho nuevos amigos y ha adquirido nuevas aficiones. Dentro del Cuartel General, las emociones de Riley admiran sus nuevas islas de personalidad, impulsadas por recuerdos centrales que contienen una mezcla de emociones, y reciben una consola ampliada que tiene espacio suficiente para que trabajen en equipo. Aunque admiten una ligera preocupación por una gran alarma roja que marca la pubertad, se olvidan de ella.

Reparto

Amy Poehler (izquierda), Phyllis Smith, Bill Hader, Lewis Black, Mindy Kaling, Richard Kind, Diane Lane y Kyle MacLachlan interpretan respectivamente a Alegría, Tristeza, Miedo, Ira, Desagrado, Bing Bong y los Padres de Riley.

Asimismo, algunos de los creadores de la película también contribuyeron con sus voces, incluyendo a Pete Docter como Furia del padre y Ronnie del Carmen.[7]​

Doblaje al español

Para la distribución en el mercado de habla hispana, se hicieron dos doblajes: uno para los países de América y otro para España. Los del primer grupo, contaron con una versión elaborada por los estudios Taller Acústico. Con Mario Castañeda como director del proceso, los actores en cargados de poner las voces fueron Cristina Hernández como Alegría, Kerygma Flores como Tristeza, Jaime Vega como Furia, Erika Ugalde como Desagrado, Moisés Iván Mora como Temor, Verania Ortiz como Riley, Jesús Guzmán como Bing Bong, Graciela Gámez como Jill Andersen y Moisés Palacios como Bill Andersen.[11]​

Por su parte, la versión ibérica fue llevada a cabo en el estudio SDI Media, radicado en Barcelona, bajo la dirección de Lorenzo Bateta. El elenco principal de voces quedó conformado por Mar Bordallor como Alegría, Beatriz Berciano como Tristeza, Fernando Cabrera como Miedo, Ana Esther Alborg como Asco y Salvador Aldeguer como Ira, Ángela Arellano como Riley, Carlos Ysbert como Bing Bong, María del Mar Jorcano como Jill Andersen y Lorenzo Beteta como Bill Andersen.[12]​

Producción

Desarrollo

Headshot of Pete Docter
Headshot of Ronnie del Carmen
Pete Docter (izquierda) y Ronnie del Carmen en 2009

El desarrollo de Inside Out recibió luz verde en octubre de 2009,[13]​ después de que el director Pete Docter notara que su hija Elie se volvía «más callada y reservada»,[14]​ y empezó a preguntarse qué estaba pasando internamente.[15]​[16]​ Docter invitó a Ronnie del Carmen, que había trabajado como supervisor de historias en Buscando a Nemo (2003) y Up (2009), a unirse al proyecto como codirector, papel que del Carmen aceptó.[17]​[18]​ Buscaron inspiración en sus propias historias y experiencias personales,[19]​ y consultó a psicólogos y especialistas como el psicólogo Paul Ekman y Dacher Keltner, profesor de psicología de la Universidad de California en Berkeley, para mayor precisión.[20]​[21]​ Para diseñar el paisaje mental de Riley, consultaron a neurocientíficos y tomaron como referencia cadenas de ADN y fotografías de destellos neuronales.[13]​ Según Keltner y Ekman, la película hace hincapié en el modo en que las emociones organizan nuestros pensamientos y vidas sociales, especialmente el papel de la tristeza en el fomento de las conexiones.[22]​

En las primeras versiones de la película se consideraron unas 27 emociones: irritación, envidia, codicia, tristeza, desesperación, depresión, amor, schadenfreude, ennui, vergüenza, bochorno y esperanza, pero luego se redujeron en aras de la simplicidad.[b]​ Ekman proporcionó una lista de emociones —enojo, miedo, tristeza, asco, desprecio, sorpresa y felicidad— y Docter decidió eliminar la sorpresa por su similitud con el miedo; también eliminó el desprecio. La felicidad pasó a llamarse optimismo y, más tarde, Alegría.[20]​[28]​[29]​ El director creativo John Lasseter ofreció poca aportación a la película debido a su concentración en la reestructuración de Walt Disney Animation Studios; fue la primera película de Pixar producida sin la participación del cofundador del estudio, Steve Jobs, fallecido en 2011.[14]​ El proceso de desarrollo de la película duró cinco años y medio[30]​[31]​ y contó con un presupuesto aproximado de 175 millones de dólares.[32]​ Ralph Eggleston, diseñador de producción de Pixar desde 1992, declaró que era la película más dura y larga en la que había trabajado.[31]​ En consecuencia, se consideró que los directores noveles no podían trabajar en la película.[33]​

Guion

En 2010, Docter y el equipo de rodaje se reunieron para discutir aspectos de Inside Out, como su ambientación, reglas y rollos. A continuación, Docter contrató a un pequeño equipo para desarrollar el argumento de la película y diseñar sus personajes en un plazo de 12 meses;[13]​[34]​[35]​ su principal reto era manejar su técnica multicapa.[36]​ Del Carmen describió su educación como una influencia significativa y tuvo la idea de convertir a Riley en un ávido jugador de hockey sobre hielo debido a la popularidad de ese deporte en Minnesota.[37]​[38]​ Aunque el guion de la película se consideró ambicioso e ingenioso, el guionista Michael Arndt dedicó un año a su elaboración antes de abandonar el proyecto a principios de 2011;[39]​ se le atribuyó la aportación de material adicional para la historia.[40]​ Junto con Docter, Josh Cooley y Meg LeFauve fueron acreditados como guionistas de sus reescrituras.[41]​

Para promover la diversidad, la mitad del equipo de la historia eran mujeres en una época en la que la industria de la animación estaba formada mayoritariamente por hombres. Aunque Inside Out se centra en una niña, la investigación reveló que las mujeres de 11 a 17 años estaban más atentas a las expresiones y emociones que las niñas más jóvenes.[38]​ Docter decidió que Riley no era un personaje principal, sino el escenario de la película.[13]​ Consideró la emoción principal como femenina porque Riley es una chica. A los demás personajes emocionales se les asignó masculino y femenino.[42]​ Docter descartó una idea inicial sobre Riley cayendo en una profunda depresión.[14]​ La creación de los guiones gráficos de Inside Out duró entre dos y tres años, e incluyó entre siete y ocho proyecciones para los «cerebros de Pixar», un pequeño grupo de líderes creativos que supervisan el desarrollo de todas las películas. Dedicaron más de tres años a mejorar la escena de la cena para evitar que el público la viciara y, al mismo tiempo, mantener la historia y el humor.[43]​

Los cineastas se encargaron de expresar los rasgos personales de los personajes, sus talentos,[23]​ y contrastes.[38]​ El equipo de diseño de Inside Out investigó más sobre las distintas direcciones de la personalidad de Riley después de que Docter se preocupara por el disgusto de Alegría. El diseñador Albert Lozano quería que Alegría fuera marimacho y traviesa.[44]​ Amy Poehler ayudó al equipo a escribir Alegría, ilustrando una amplia gama de felicidad después de enfrentarse a dificultades. Con la ayuda de LeFauve, el equipo imaginó a Alegría como un personaje vulnerable e intangible porque es «positiva sin disculpas».[34]​[45]​ Desde el principio, persistió la idea del potencial de Alegría para manipular excesivamente a la juventud, lo que desencadenó las «tormentas sociales» de Riley.[46]​

En una ocasión, Riley iba a querer el papel protagonista de un pavo en un desfile del Día de Acción de Gracias; Docter consideró que esa idea argumental era demasiado desconocida y buscó algo que la sustituyera. Surgieron varios borradores, que incluían a los personajes cultivando ideas tras caer en los «Campos de ideas»;[47]​ en otra, Bing Bong reclutaría a un gran séquito de personajes exiliados de la infancia de Riley. Richard Kind definió más tarde a su personaje como «el desvanecimiento de la infancia» cuando el desarrollo de Inside Out había avanzado.[48]​ En octubre de 2011, Diane Disney Miller convenció a Docter para que redujera las distracciones de Inside Out y volviera a dar prioridad a la historia.[34]​ Docter determinó que el concepto de islas de personalidad podría integrar la geografía y la historia del mundo mental.[47]​

En 2012, la película se puso en producción[13]​ tras varias proyecciones y sugerencias, y se evaluó al cabo de tres meses. El montador Kevin Nolting dijo que se crearon siete versiones de la película antes de empezar la producción.[43]​ Equilibrar el tono de la película, por ejemplo, la respuesta de los espectadores a la naturaleza alegre de Alegría y al mismo tiempo sentirse negativos por el desorden que Alegría manipula en Riley, fue difícil. El productor Jonas Rivera dio crédito a Poehler por desarrollar estos aspectos de la naturaleza de Alegría.[46]​ Eggleston recomendó ambientar la película en la mente de Riley y no en su cerebro,[49]​ y se eliminaron algunas escenas sobre el cerebro.[23]​

Los cineastas de Pixar realizaron una proyección de evaluación de la película en julio de 2012. Una primera versión de Inside Out se centraba en Joy y Fear perdiéndose juntos. Docter lo consideró problemático y determinó la idea de que Alegría hubiera aprendido de Miedo para desarrollar su caracterización, antes de decidir integrar las emociones y las relaciones dentro de la película. En su lugar, Tristeza sustituyó a Miedo para tener un papel «mucho más jugoso».[23]​[50]​ Al altercado entre Alegría y Tristeza de Docter le faltó el final emotivo de la película. Para solucionar el problema, cambió una escena en la que Riley se separa de su amiga en sus partes posteriores. Islas de la Amistad y Personalidad se convirtieron en las salidas de Alegría y Tristeza en la película para mantener su continuidad.[51]​

Durante el proceso de storyboard se desarrollaron 27 secuencias y 178.128 esquemas,[34]​ con 127 781 restantes al finalizar.[23]​ Según Cooley, se hicieron diez reescrituras de la trama de Inside Out y diez escenas inéditas de la mente de Riley.[51]​ El storyboard inicial diferenciaba la importancia del arco del personaje de Riley más que de sus emociones, pero Rivera consideró que el equilibrio de la película era «aproximadamente un 75 por ciento dentro y un 25 por ciento fuera».[36]​ A principios de 2013, los cineastas realizaron entre siete y ocho aperturas distintas para la película.[34]​ Las primeras escenas terminadas de Inside Out se proyectaron en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy en junio de 2014.[52]​ El grupo de expertos acabó por cerrar la película y su historia. La producción de la película concluyó en mayo de 2015[13]​ después de tres años.[28]​

Reparto

Los personajes principales de Inside Out fueron elegidos en agosto de 2013.[53]​ La grabación de voz comenzó ese año y finalizó en 2014.[13]​ El casting se centró en actores con una personalidad idéntica a la de los personajes a los que ponían voz.[54]​ Dado que el reparto incluye a varios veteranos de Saturday Night Live (SNL), el equipo de producción de la película pasó una semana en ese programa investigando una secuencia televisiva en directo.[55]​

Phyllis Smith fue el primero de los personajes de emociones en ser elegido y Poehler el último. Smith y Poehler tuvieron tres sesiones de grabación de voz cada una.[56]​[57]​ En un principio, Smith se mostró preocupada por su intento de poner voz a un papel en una película de animación.[58]​ Una vez que Smith recibió una llamada para viajar a la sede de Pixar en Emeryville (California), Rivera le hizo un casting tras ver una escena de un almuerzo en Bad Teacher (2011). Se puso en contacto con Docter y le dijo: «Creo que hemos encontrado a nuestra Tristeza».[57]​ Smith vio su voz natural tras su primera sesión de grabación.[58]​

Kind fue la elección perfecta de Docter para Bing Bong.[59]​ Kind intentó transmitir la misma «especie de inocencia» que había transmitido en sus anteriores papeles en Pixar.[60]​ Kind modeló la personalidad y el aspecto de Bing Bong basándose en Oliver Hardy, Jimmy Durante y John Candy, especialmente en la actuación de Candy en Planes, Trains and Automobiles (1987).[58]​

Bill Hader y los cineastas visitaron el plató de SNL en Nueva York, donde se dio por hecho su inmediato casting como Miedo hasta que terminó su estancia. Hader se puso en contacto con Poehler y le dijo que su papel era secreto antes de reafirmar su participación en Inside Out. Para prepararse, Hader practicó «casi todas las emociones» y su voz chillona en sesiones de grabación.[c]​ Miedo se inspiró en el actor Don Knotts y en el personaje de Rowan Atkinson Mr. Bean, ambos con los ojos muy abiertos. Docter describió a Miedo como «el tipo de hombre que puede ser sofisticado y cambiar de repente».[42]​[64]​

Mindy Kaling asistió a seis sesiones de grabación en cuatro horas para poner voz a Desagrado antes de ser elegida para el papel. Dijo que la historia le pareció «muy bonita» cuando se la propusieron.[20]​[62]​ Docter dijo que Lewis Black ejemplificaba la ira, y que fue elegido después de que los cineastas lo tuvieran en mente, tras haber oído la voz de Black.[29]​ Los realizadores eligieron a Kaitlyn Dias para el papel de Riley, y describieron su actuación como «conmovedora» y adaptaron su «desgarradora honestidad». Según Rivera, el casting de Dias fue «perfecto».[58]​

Banda sonora

Inside Out: Original Soundtrack
Banda sonora de Michael Giacchino
Publicación 20 de junio de 2015[65]​
Género(s) Música cinematográfica, música clásica y jazz[66]​
Formato Descarga digital y CD[67]​
Duración 58:43
Discográfica Walt Disney Records[67]​
Productor(es) Jonas Rivera, John Lasseter y Andrew Stanton
Calificaciones profesionales

Soundtrack Geek 77.5/100[68]​
Filmtracks 3/5 estrellas[67]​

Cronología de Pixar
Monsters University
(2013)		 Inside Out
(2015)		 The Good Dinosaur
(2016)
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Creo que el tema (que aborda la película) tuvo un fuerte impacto en él (Michael Giacchino) e inmediatamente comenzó a trabajar. Compuso una suite de ocho minutos y nos dijo: «Así es como me hizo sentir su película. Fíjense si acerté.». Sí que lo hizo. Comencé a llorar; había capturado, en tono y ritmo, la experiencia de ver crecer a un niño.

La banda sonora del filme fue compuesta por Michael Giacchino. Esta fue su quinta colaboración con Pixar —Los Increíbles (2004), Ratatouille (2007), Up (2009) y Cars 2 (2011)— y su segunda con Docter. En términos musicales, abarca géneros como el jazz y la música clásica. Según Marcy Donelson de Allmusic, es una banda sonora «melancólica, ansiosa, jazzística, cómica [...]». Giacchino logra un «sonido clásico de los dibujos animados» gracias al empleo de una orquesta completa y efectos electrónicos que, por momentos, alcanza un «nivel de vivacidad similar al de Raymond Scott».[66]​

El 20 de junio de 2015, Walt Disney Records publicó la banda sonora en formato físico y digital. Solamente en el formato físico se incluyó la pista Lava, del cortometraje del mismo nombre.[67]​ Los productores se reunieron con Giacchino para mostrarle el largometraje y explicarle su concepto. En respuesta, compuso una suite de ocho minutos de duración y sin conexión con la película, basada en las emociones que experimentó al observar la producción. Rivera destacó que, aunque Docter y Giacchino son músicos, ambos discutieron el filme en términos de historia y personajes.[70]​

Sobre su trabajo, Giacchino aseguró que «tenía que sentirse emocional. No estaba seguro de cómo quería el sonido, pero sabía cómo quería sentirse. Esta película es personal», y aclaró que «Pete [Docter] quería que la música se sintiera como si viniera del interior, de los pensamientos. Buscábamos algo evocador. Algo que no fuera una banda sonora tradicional».[71]​ Giacchino quería crear algo más emocionalmente monumental para la partitura de Inside Out, que en comparación con la de Up.[72]​

Sin embargo, Christian Clemmensen de Filmtracks no comparte del todo esa opinión. Pese a instar a quienes «establecieron tolerancia a una música infantil retro altamente efectiva pero exasperantemente optimista» a comprar la música, desalienta a aquellos que «esperan que Michael Giacchino compita con la gravedad emocional que logró en Up». En este caso, la «atmósfera se acerca demasiado al territorio carnavalesco de Danny Elfman». Clemmensen otorgó 3 de 5 estrellas a la banda sonora de la cinta.[67]​ Por su parte, Jørn Tillnes, de Soundtrack Geek, señala que: «Es desconcertante. Me siento como un balón desinflado tras escuchar esta música. [...] Un adorable tema principal, pero eso es prácticamente todo. [...] No está mal, pero para los estándares de Giacchino está lejos de ser la mejor».[68]​

Las funciones en Japón tuvieron, antes de la proyección de la película, una presentación del tema musical "Itoshi no Riley" ("Mi querida Riley") de Dreams Come True. La inclusión del vídeo musical durante el estreno en cines fue criticada por el público.[73]​

Ver lista
N.ºTítuloDuración
1.«Bundle of Joy»2:48
2.«Team Building»2:18
3.«Nomanisone Island/National Movers»4:20
4.«Overcoming Sadness»0:51
5.«Free Skating»0:59
6.«First Day of School»2:02
7.«Riled Up»1:02
8.«Goofball No Longer»1:11
9.«Memory Lanes»1:22
10.«The Forgetters»0:50
11.«Chasing the Pink Elephant»1:55
12.«Abstract Thought»1:47
13.«Imagination Land»1:25
14.«Down in the Dumps»1:47
15.«Dream Productions»1:43
16.«Dream a Little Nightmare»1:50
17.«The Subconscious Basement»2:01
18.«Escaping the Subconscious»2:09
19.«We Can Still Stop Her»2:54
20.«Tears of Joy»2:39
21.«Rainbow Flyer»2:58
22.«Chasing Down Sadness»1:45
23.«Joy Turns to Sadness/A Growing Personality»7:49
24.«The Joy of Credits»8:18
58:43
Pista adicional
N.ºTítuloDuración
25.«Lava» (Del cortometraje Lava) 5:46

Mercadotecnia y estreno

En agosto de 2011, durante la D23 Expo, se anunció la producción de «The Untitled Pixar Movie That Takes You Inside The Mind» («La película sin título de Pixar que te lleva dentro de la mente»), filme que sería dirigido por Pete Docter y Ronnie del Carmen y descrito como «una ingeniosa nueva película que explora un mundo ampliamente conocido, pero visto por nadie: el interior de la mente humana».[74]​ En diciembre del año siguiente, Bleeding Cool reveló que el título del filme sería The Inside Out,[75]​ mientras que, en febrero del año siguiente, ComingSoon.net reportó que el título sería simplemente Inside Out.[76]​ No obstante, no fue hasta abril de 2013, durante el CinemaCon, cuando Disney anunció oficialmente el título vía Twitter.[77]​ Antes de su lanzamiento, se realizaron proyecciones de prueba para niños, dada la preocupación de que la película fuera demasiado compleja para el público más joven. Sin embargo, la cinta causó reacciones positivas en la audiencia.[78]​

El 18 de mayo de 2015, el filme se estrenó en el 68° Festival de Cannes, en una proyección no incluida en la competencia por el premio de ese año.[79]​ Menos de un mes después, el 8 de junio, debutó en Estados Unidos, en el Capitan Theatre de Hollywood.[80]​ 11 días después, se estrenó en todo el país en cines.[81]​ Fue la primera película animada debutada en formato Dolby Vision en Dolby Cinema.[82]​ Además, con el lanzamiento de The Good Dinosaur en noviembre, Pixar estrenó, por primera vez en su historia, dos películas en el mismo año.[83]​

En sus presentaciones, fue acompañada por el cortometraje Lava, un musical romántico dirigido por James Ford Murphy y producido por Andrea Warren. Lava se trata de una historia que tiene lugar a lo largo de millones de años, inspirada en la belleza de las solitarias islas tropicales y en el explosivo encanto de los volcanes oceánicos.[84]​ El 18 de junio de 2015, Skype agregó las caras de los cinco personajes de la película a su lista de emoticonos disponibles para el uso en su servicio de mensajería durante los siguientes tres meses.[85]​ El 3 de noviembre de 2015, Walt Disney Studios Home Entertainment lanzó a la venta el filme en Blu-ray (2D y 3D) y DVD.[86]​ Por su parte, el estreno digital ocurrió el 13 de octubre.[87]​ Junto a la película, se incluyó Lava y otro cortometraje llamado Riley's First Date? (¿La primera cita de Riley?), el cual tiene lugar en el mundo de Inside Out y que fue dirigido por Josh Cooley.[88]​[89]​ Los cinco personajes principales se incluyeron en el videojuego Disney Infinity 3.0[90]​ y, el 18 de junio de 2016, se lanzó Inside Out: Thought Bubbles en App Store, Google Play, Amazon Appstore, Windows Store y Windows Phone Store.[91]​

Secuela

Artículo principal: Inside Out 2

En la edición 2022 de la Expo D23 se anunció una secuela de la película, la cual se estrenó en junio de 2024.[92]​[93]​

Recepción

Recaudación

El filme recaudó 356.5 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá, y 500.3 millones en otros territorios, para un total a nivel mundial de 857.6 millones de dólares.[2]​ Fue la séptima película con la mayor recaudación de 2015, la segunda entre las producciones animadas,[94]​ la quinta en la lista de largometrajes de Pixar,[95]​ el largometraje original más taquillero del estudio, la número 56 de toda la historia[96]​ y la novena entre las películas animadas.[97]​

Estados Unidos y Canadá

Debutó en 3946 cines (3100 la mostraron en 3D) en los Estados Unidos y Canadá.[98]​ Acumuló 3.7 millones durante sus presentaciones preliminares del jueves por la noche, lo que estableció un récord para los filmes del estudio que contaron con este tipo de muestras nocturnas.[99]​ En su día de estreno, alcanzó los 34.2 millones, es decir, fue el segundo mayor debut para una película de Pixar, e incluso superó a Toy Story 3 (41.1 millones).[100]​[101]​ Finalizó su fin de semana de estreno en el segundo lugar con 90.4 millones, por detrás de Jurassic World (106.6 millones).[102]​ Aunque fue la primera producción de Pixar que no debutó en el lugar número uno, su fin de semana de estreno fue el de mayor acumulación para un filme original (rompiendo el récord de Los Increíbles), el segundo con mayor recaudación de toda la historia (por detrás de Los Increíbles 2), el mayor para una película que no debutó en el primer lugar (venciendo a The Day After Tomorrow)[103]​ y el mayor para una película original, de imagen real o cualquier otra, superando el debut de 77 millones de Avatar.[104]​[105]​

El exitoso estreno del filme ha sido atribuido a su presentación en el Festival de Cine de Cannes, las muestras a la prensa en el CinemaCon, el puntaje recibido en Rotten Tomatoes, a un buen boca a boca, a que tuvo lugar en el fin de semana del día del padre y a sus muestras nocturnas del jueves anterior a su estreno.[106]​[107]​ En su segunda semana, sufrió una caída del 42%, es decir, la recaudación llegó a los 52.3 millones. No obstante, mantuvo su segundo lugar, por detrás de Jurassic World.[108]​ Durante el resto de la semana, Inside Out superó ligeramente a esta última.[109]​ Alcanzó el primer lugar en la taquilla en su tercera semana, con 29.8 millones.[110]​ En general, IMAX contribuyó con el 10% o 36 millones de su total acumulado en Estados Unidos y Canadá.[111]​ Finalizó sus proyecciones con un total de 356.6 millones.

Otros países

Por su parte, recaudó un estimado de 40.3 millones en sus estrenos en 37 países.[112]​ Sus mayores debuts se registraron en China (11.7 millones), el Reino Unido, Irlanda y Malta (11.4 millones), México (8.6 millones), Rusia y la Comunidad de Estados Independientes (7.6 millones), Italia (7.4 millones), Alemania (7.1 millones) y Corea del Sur (5.1 millones).[112]​[113]​[114]​[115]​[116]​[117]​ Por su acumulación total, los mercados más grandes fuera de los Estados Unidos y Canadá fueron el Reino Unido (58.1 millones), Corea del Sur (31.7 millones) y México (31 millones).[118]​[119]​[120]​[121]​ Se convirtió en el filme animado de Pixar o Disney con la mayor recaudación en México (por delante de Frozen), Filipinas (por delante de Big Hero 6),[122]​ India y Ucrania. En Rusia, fue la segunda película de Pixar o Disney con la mayor recaudación y la primera de Pixar en superar el millón de rublos.[115]​

Crítica

Anglosajona

A partir de 382 reseñas, el sitio web Rotten Tomatoes reportó un 98% de aceptación, con un promedio general de 8.9/10. El consenso señala lo siguiente: «Inventiva, magníficamente animada, y poderosamente conmovedora, Inside Out es otra excepcional adición a la biblioteca de clásicos modernos animados de Pixar».[123]​ Además, también en esa página, lidera la lista de "Las 100 Mejores Películas Animadas" y ocupa el octavo puesto de "Las 100 Mejores Películas de la Historia".[124]​[125]​ Por su parte, en el sitio web Metacritic posee una calificación de 94/100 con base en 48 críticas[126]​ y en CinemaScore alcanzó una calificación de «A» en un rango que va de a «A+» a «F».[127]​

Antes de su estreno, el público mostró cierta preocupación sobre un posible declive en la calidad de las películas de Pixar, especialmente por su excesiva dependencia de las secuelas.[128]​ Además, los problemas que Dreamworks Animation enfrentó con diversas películas a inicios de la década del 2000, llevó a la conjetura de que el género de la animación por computadora estaba «en bajada».[129]​ Sin embargo, para diversos críticos, Inside Out significó el regreso de Pixar a su mejor estado.[130]​[131]​[132]​[133]​[134]​ El 22 de abril de 2015, durante un preestreno realizado en el CinemaCon, recibió buenas críticas de la audiencia. Los elogios apuntaban a su inteligente trama. Sin embargo, algunas personas se preguntaron si el concepto era demasiado complicado para el público infantil y si sería lo suficientemente atrayente para las familias.[135]​[136]​

Tras su presentación en el Festival de Cannes, el 18 de mayo de 2015, la película fue aclamada por la crítica. Peter Debruge, de Variety, se mostró efusivo al llamarla la «más grande idea» del estudio y «un concepto increíblemente original que [...] promete cambiar para siempre la forma en que la gente piensa sobre cómo la gente piensa».[137]​ Michael Phillips, del Chicago Tribune, la consideró la mejor película del estudio desde Up (también dirigida por Docter), una «inventiva consistente y una corrección esperanzadora de las recientes inferioridades guiadas por los inversionistas».[138]​ Por su parte, Todd McCarthy, de The Hollywood Reporter, estimó que era «concepto audaz», ubicado entre los filmes más «conceptualmente psicodélicos» para los públicos familiares.[139]​ «Con su enfoque literalmente cerebral, creo que Inside Out podría tener algunos problemas para conectar plenamente con los niños más pequeños, pero los adultos probablemente derramarán más de una lágrima», comentó Richard Lawson de Vanity Fair.[140]​ Peter Bradshaw, de The Guardian, la calificó de «alegre y afable», aunque ligeramente inferior a lo mejor de Pixar.[141]​ En ese sentido, pese a que, en términos generales, presenta una crítica positiva, Ignatiy Vishnevetsky, de The A.V. Club, indica que el filme «intercambia la muda elegancia y el sentido de descubrimiento del mejor trabajo del estudio de animación por una explicativa voz en off y una exposición repetitiva». También argumenta que los animadores pudieron haber sido más intrépidos en términos visuales para coincidir con la audacia conceptual.[142]​

Aparte de considerarla la mejor película de 2015,[143]​ Kristopher Tapley, de HitFix, aseguró que es «una de las mejores películas del siglo 21».[144]​ Para A. O. Scott, de The New York Times, el filme es «un placer absoluto», haciendo especial énfasis en su «defensa de la tristeza, un argumento para la necesidad de melancolía vestido en los brillantes colores del entretenimiento».[132]​ En palabras de Ann Hornaday, de The Washington Post, Inside Out es «esa rara película que trasciende su rol de puro entretenimiento y se convierte en algo genuinamente catártico, incluso terapéutico, dando a los niños un lenguaje simbólico con el que manejar sus emociones rebeldes».[5]​ Por otra parte, Richard Roeper, del Chicago Sun-Times, la encontró «audaz, preciosa, dulce, divertida [y], en algunos momentos, desgarradoramente triste».[145]​ Chris Nashawathy, de Entertainment Weekly, la elogió afirmando que es «extraordinaria y conmovedora, [...] muy inteligente y psicológicamente ingeniosa».[146]​ Para Mary Pols, de Time, es un trabajo «casi alucinógeno, completamente hermoso» que «desafía las convenciones de las películas familiares».[147]​ Christopher Orr, de The Atlantic, instó a los lectores a mirar el filme e indicó que «Una vez más, Pixar regresó a la cima de su juego, contando el tipo de metahistoria amable y emotiva difícil de imaginar siendo producida en cualquier otro lugar».[133]​ Wai Chee Dimock, de Los Angeles Review of Books, la comparó con los trabajos escritos de Antonio Damasio, Dacher Keltner y Oliver Sacks.[148]​

Hispanoamericana y española

En España, Carlos Boyero, de El País, destacó el deslumbrante sentido visual del filme, su contagiosa comicidad y humor y el inquietante «profundo conocimiento de lo que le ocurre a la gente en sus neuronas y en el corazón».[149]​ En el mismo diario, Gregorio Belinchón la califica de «original, sorprendente» y asegura que «apuesta por esa melancolía que ya exhalaba Toy Story».[150]​ Por su parte, para Irene Crespo, de Cinemanía, el filme convierte el funcionamiento de la mente humana en «un juego visual, en una lección de psicología y cuerpo humano que pueden entender adultos y niños». Además, destacó sus «colores brillantes y figuras reverberantes, con mundos "lynchianos" y ecos del cine clásico».[151]​ En este sentido, Rafa Martín, de Las horas perdidas, indicó que el filme es una mezcla de ficción y documental educativo, es decir, «es un entretenimiento educativo; jamás deja de ser didáctico».[152]​ Sergi Sánchez, de Fotogramas, alabó su concepto, aunque lamentó «que su brillante premisa pueda ensombrecer la belleza de su ejecución»[153]​ y Nando Salvà, de El Periódico de Catalunya, afirmó que con este filme «Pixar es más Pixar que nunca». «Si obras como Monstruos S.A. (2001) o Toy Story (1995) nos permitían conectar con el niño que fuimos [...] [Inside Out] conecta de forma directa con el adulto que somos», agregó.[154]​

En Hispanoamérica, Alejandro Alemán, del diario mexicano El Universal, señaló que el filme es «una crítica brutal a la dictadura de la felicidad», puesto que la cinta se «torna en una revaloración de la tristeza como factor de cambio». Recalcó también la sencillez con la que se muestran sus conceptos e ideas y destacó su diseño de producción al afirmar que «es un nuevo triunfo visual para el estudio».[155]​ En Argentina, para Ezequiel Boetti, de Página/12, Docter y los animadores ofrecen una cinta donde la «lógica anárquica del subconsciente es traducida en un universo visual felizmente caótico» y alabó que, a diferencia de la mayoría de las superproducciones de Hollywood, este filme «deja un retrogusto de múltiples matices y sabores destinado a acrecentarse con el paso del tiempo [...]».[156]​ Wladimyr Valdivia, de El Otro Cine, de Chile, afirmó que la película «es un mundo inagotable de belleza visual y complejamente estructurado» y agregó que «Pixar alcanza su obra cumbre en lo narrativo [...] con un título dibujado para los niños, pero pensado por y para los adultos».[157]​ En el diario colombiano El Tiempo, Mauricio Reina calificó de «admirable acto de audacia» al filme, pues «hacer una película de animación sobre el subconsciente y la depresión no es una cosa fácil» y menos si se busca llegar «a todos los públicos».[158]​ Igualmente de Colombia, Manuel Kalmanovitz, de la revista Semana, coincidió al señalar que la del filme «es una idea maravillosamente excéntrica, que tiende hacia lo abstracto, pero que funciona a la perfección». «Es una experiencia rica y visualmente sofisticada que nos recuerda el dolor de dejar viejas ideas y la emoción de encontrar nuevas [...]», añadió.[159]​

Premios

Artículo principal: Anexo:Premios y nominaciones de Inside Out (película de 2015)

Inside Out recibió 15 nominaciones a mejor película, 21 a mejor guion original y 40 a mejor película animada, por parte de 50 distintas organizaciones y asociaciones.[160]​ Obtuvo el premio Óscar a la mejor película de animación y fue nominada al Óscar al mejor guion original.[161]​ Asimismo, recibió 10 premios Annie (de un total de 14 nominaciones), incluyendo los premios a la mejor dirección en un filme animado para Docter, mejor doblaje en un filme animado para Smith y el galardón a la mejor película animada.[162]​[163]​ El American Film Institute la seleccionó como una de las diez mejores películas del año.[164]​

Ganó el Globo de Oro, el premio de la Crítica Cinematográfica y el premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York a la mejor película animada.[165]​[166]​[167]​ Además, fue finalista del premio a la mejor película animada de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y de la Sociedad de Críticos de Cine de San Francisco.[168]​[169]​ Recibió nominaciones a los premios Satellite en las categorías de mejor guion original, mejor película o corto animado, de la que resultó ganadora, y mejor banda sonora.[170]​ También la Academia Británica la premió con el galardón a la mejor película de animación.[171]​ Por su parte, para más de 100 críticos y publicaciones, este filme fue uno de los mejores del año 2015. Fue segunda en la lista de las películas mejor calificadas de 2015 en el sitio web Rotten Tomatoes y la cuarta en Metacritic.[172]​[173]​[174]​ Según Critics Top10, este largometraje apareció en las listas de 340 críticos, ocupando el primer lugar en 27 de ellas.[175]​

Notas

  1. ↑ Distribuido por Walt Disney Pictures.
  2. ↑ Atribuido a múltiples referencias:[23]​[24]​[25]​[26]​[27]​
  3. ↑ Atribuido a múltiples referencias:[29]​[55]​[61]​[62]​[63]​

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Bibliografía

Enlaces externos


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