La escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de recuperación de la escultura de la Antigüedad clásica. Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de nacimientos de esa época pasada la inspiración perfecta para sus obras. También se inspiraron en la naturaleza. En este contexto hay que tener en cuenta la excepción de los artistas flamencos en el norte de Europa, los cuales además de superar el estilo figurativo del gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en el apartado de la pintura.
El renacer a la antigüedad con el abandono de lo medieval, que para Giorgio Vasari «había sido un mundo propio de godos», y el reconocimiento de los clásicos con todas sus variantes y matices fue un fenómeno casi exclusivamente desarrollado en Italia. El arte del Renacimiento logró interpretar la Naturaleza y traducirla con libertad y con conocimiento en gran multitud de obras maestras. (Leer más...)

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor, pintor y poeta italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia y los diferentes papas romanos.

Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido, y Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti.^[1]​ Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino. Benedetto Varchi, el 12 de febrero de 1560, le envió una carta en nombre de todos los florentinos diciéndole:

... toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de lejos... Vuestra Excelencia nos haría un gran favor si quisiera honrar con su presencia su patria.

Tolnay (1978, p. 14)

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El David es una escultura de bronce de 158 cm de altura, obra del escultor italiano Donatello. La obra fue realizada en torno a 1440 (o a 1430 según algunos expertos) por encargo de Cosme de Médici, que quería colocarla en los jardines de su palacio de Florencia.^[2]​ Actualmente se encuentra en el Bargello. El David de Donatello es una de las obras más relevantes del primer Renacimiento. Era la primera vez que un escultor se atrevía a crear un desnudo masculino desde la Antigüedad clásica. (Leer más...)

Juan de Juni (Joigny, Francia, 1506-Valladolid, 10 de abril de 1577) fue un escultor franco-español.

Junto con Alonso Berruguete, Juni formó la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid. Eso le ha valido su presencia destacada en el Museo Nacional de Escultura, especialmente, y en el Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, entre otros lugares de la ciudad. (Leer más...)

El Trono Ludovisi, pese a su nombre, no es un trono sino un bloque de mármol blanco, hueco en la parte posterior y esculpido en bajorrelieve en sus tres lados. Su autenticidad es debatida; quienes la aceptan, la sitúan en la Grecia Occidental, en Magna Grecia, datándola en el período cercano a 460 a. C. (basados en el estilo severo que manifiesta), el cual pertenece a la transición entre la época arcaica e inicios de la clásica. El Trono Ludovisi se conserva en el Museo Nacional Romano, Roma, desde que fue comprado por el gobierno italiano en 1894. (Leer más...)

El Monumento a la Libertad (en letón: Brīvības piemineklis) se encuentra en Riga (Letonia). Es un monumento construido en honor a los soldados que murieron durante la guerra de Independencia de Letonia. Se considera un importante símbolo de la libertad, independencia y soberanía de Letonia. Inaugurado en el año 1935, los 42 m de altura del monumento de granito, travertino y cobre suele servir como punto principal de reuniones públicas y ceremonias oficiales.

Las esculturas y bajorrelieves del Monumento a la Libertad, organizados en trece grupos, muestran la cultura e historia de Letonia. El núcleo del monumento está compuesto por formas tetragonales superpuestas unas sobre las otras, que van disminuyendo en tamaño conforme van ascendiendo, completado por una columna de travertino de 19 metros de altura que sostiene la figura de cobre a la Libertad levantando tres estrellas doradas. La idea del monumento surgió por primera vez a principios de los años 1920, cuando el primer ministro de Letonia, Zigfrīds Anna Meierovics, ordenó establecer unas normas para celebrar un concurso de diseños para una "columna memorial". Tras varios concursos, el monumento fue finalmente construido a principios de la década de 1920, según el proyecto "¡Brilla como una estrella!" del escultor letón Kārlis Zāle. Las obras de construcción se financiaron mediante donaciones privadas. (Leer más...)

Francisco Salzillo y Alcaraz (Murcia, 12 de mayo de 1707-ibídem, 2 de marzo de 1783) fue un escultor barroco español, considerado como el más representativo imaginero del siglo XVIII español y uno de los más grandes del Barroco. Salzillo se dedicó en exclusiva a la temática religiosa y supo transmitir a su estilo los cambios que se fueron produciendo durante el siglo XVIII, lo que se vio plasmado en una escultura de transición hacia el rococó y el neoclasicismo, así como en diversos cambios que se fueron produciendo en el taller que heredó de su padre, el también escultor e imaginero Nicolás Salzillo.

Su vida transcurrió enteramente en Murcia. Hoy día cuenta con un museo dedicado a su obra, el Museo Salzillo, que alberga algunas de sus obras más características, como el belén o los ocho pasos que procesionan el Viernes Santo en la llamada procesión de los Salzillos. (Leer más...)

Laocoonte y sus hijos es un grupo escultórico griego de datación controvertida, aunque suele considerarse una obra original de principios de la era cristiana. Es una de las esculturas antiguas más famosas desde que fue excavada en Roma en 1506. Es muy probable que la estatua sea la misma que fue elogiada en los más altos términos por Plinio el Viejo, el principal escritor romano sobre arte. La obra es de un tamaño algo mayor que el natural, de 2,42 m de altura y está ejecutada en mármol blanco. Se encuentra en el Museo Pío-Clementino perteneciente a los Museos Vaticanos de Roma, y junto al Torso del Belvedere es el único original griego del antiquarium. Representa la muerte del sacerdote troyano Laocoonte, o Laoconte, castigado por los dioses a morir estrangulado por serpientes marinas junto a sus dos hijos, Antífante y Timbreo.

El grupo de Laocoonte ha sido llamado «el icono prototípico de la agonía humana» en el arte occidental. A diferencia de la agonía a menudo representada en el arte cristiano que representa la Pasión de Jesús y los mártires, el sufrimiento que se muestra en esta estatua no ofrece ningún poder redentor ni recompensa. La agonía se transmite a través de las expresiones contorsionadas de los rostros, en particular las cejas abultadas de Laocoonte, que Guillaume-Benjamin Duchenne calificó de imposibles fisiológicamente. Estas expresiones se reflejan en los cuerpos que luchan desesperadamente, especialmente el de Laocoonte, en el que cada parte de su cuerpo se muestra en tensión. (Leer más...)

Las figurillas de terracota son un modo de expresión religiosa y artística hallado con frecuencia en la Antigua Grecia. Baratas y fáciles de producir, estas figurillas eran abundantes y proveen un testimonio invaluable acerca de la vida cotidiana y la religión de los antiguos griegos. (Leer más...)