La tecnología musical es un campo de conocimientos que se enfoca en el uso de cualquier dispositivo, mecanismo, máquina o herramienta física o en software por parte de un artista para hacer o interpretar música, para componer, anotar, reproducir o grabar obras musicales, para analizar o editar música o para crear/reproducir fuentes sonoras alternativas. Las primeras aplicaciones conocidas de la tecnología en la música fueron el uso de una herramienta por parte de los pueblos prehistóricos para perforar agujeros en los huesos con el fin de hacer flautas simples.^[1]​ Antiguos egipcios desarrollaron instrumentos de cuerda, como arpas, liras y laúdes, que requerían hacer cuerdas delgadas y algún tipo de sistema de clavijas para ajustar el tono de las cuerdas. Los antiguos egipcios también usaban instrumentos de viento e instrumentos de percusión como platillos. En la antigua Grecia, los instrumentos incluían los aulos de doble caña y la lira. En la Biblia se hace referencia a numerosos instrumentos, incluidos el cuerno, la pipa, la lira, el arpa y la gaita. Durante los tiempos bíblicos, también se usaban cornetas, flautas, cuernos, órganos, pipas y trompetas. Durante la Edad Media, la notación musical se utilizó para crear un registro escrito de las notas de melodías sencillas.

Durante la era de la música del Renacimiento, se inventó la imprenta, lo que hizo mucho más fácil producir música en masa (que previamente había sido copiada a mano). Esto ayudó a difundir estilos musicales más rápidamente y en un área más grande. Durante la era barroca (1600–1750), se desarrollaron tecnologías para instrumentos de teclado, lo que condujo a mejoras en los diseños de órganos de tubos y clavecines, y al desarrollo de un nuevo instrumento de teclado en aproximadamente 1700, el piano. En la era clásica, Beethoven agregó nuevos instrumentos a la orquesta para crear nuevos sonidos, como el flautín, el contrabajo, los trombones y la percusión no afinada en su Novena Sinfonía. Durante la era de la música romántica (c. 1810–1900), una de las formas clave en que las nuevas composiciones se dieron a conocer al público fue mediante la venta de partituras, que los amantes de la música aficionados interpretarían en casa en su piano u otros instrumentos. En el siglo XIX, se agregaron a la orquesta nuevos instrumentos como saxofones, bombardinos, tubas de Wagner y cornetas.

A principios del siglo XX, con la invención y popularización del disco de gramófono (comercializado en 1892) y la transmisión de radio (a partir de una base comercial hacia 1919-1920), hubo un gran aumento en la escucha de música, y fue más fácil distribuir música a un público más amplio.^[1]​ El desarrollo de la grabación de sonido tuvo una gran influencia en el desarrollo de géneros musicales populares, ya que permitió que las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La invención de la grabación de sonido dio lugar a un nuevo subgénero de la música clásica, el estilo concreto de composición electrónica de Musique. La invención de la grabación multipista permitió a las bandas pop sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una actuación en vivo. A principios del siglo XX, se utilizaron tecnologías eléctricas como pastillas electromagnéticas, amplificadores y altavoces para desarrollar nuevos instrumentos eléctricos como el piano eléctrico (1929), la guitarra eléctrica (1931), el órgano electromecánico (1934) y el bajo eléctrico (1935). ) La orquesta del siglo XX ganó nuevos instrumentos y nuevos sonidos. Algunas piezas de orquesta usaban la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico o el Theremin.

La invención del transistor en miniatura en 1947 permitió la creación de una nueva generación de sintetizadores, que se utilizaron por primera vez en la música pop en la década de 1960. A diferencia de las tecnologías de instrumentos de teclado anteriores, los teclados de sintetizador no tienen cuerdas, tuberías ni dientes metálicos. Un teclado sintetizador crea sonidos musicales utilizando circuitos electrónicos o, posteriormente, chips de computadora y software. Los sintetizadores se hicieron populares en el mercado masivo a principios de la década de 1980. Con el desarrollo de potentes microchips, se introdujeron una serie de nuevas tecnologías de música electrónica o digital en la década de 1980 y décadas posteriores, incluidas las cajas de ritmos y los secuenciadores de música. Las tecnologías de música electrónica y digital son cualquier dispositivo, como una computadora, una unidad de efectos electrónicos o software, que es utilizado por un músico o compositor para ayudar a hacer o interpretar música.^[2]​ El término generalmente se refiere al uso de dispositivos electrónicos, hardware informático y software informático que se utiliza en la interpretación, reproducción, grabación, composición, grabación y reproducción de sonido, mezcla, análisis y edición de música.

Los hallazgos de los sitios de arqueología paleolítica sugieren que los pueblos prehistóricos utilizaron herramientas de talla y perforación para crear instrumentos. Los arqueólogos han encontrado flautas paleolíticas talladas en huesos en los que se han perforado agujeros laterales. Se cree que la flauta Divje Babe, tallada en el fémur de un oso cavernario, tiene al menos 40.000 años. Instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda, como el Ravanahatha,^[3]​ se han recuperado de los sitios arqueológicos de la civilización del valle del Indo.^[4]​ La India tiene una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo; las referencias a la música clásica india se encuentran en los Vedas, antiguas escrituras de la tradición hindú.^[5]​ El tratado conocido como Nâtya Shâstra, escrito en fecha incierta pero considerado el texto sobre dramaturgia más antiguo conocido hasta el momento, incorpora a la música como un elemento de las artes dramáticas.^[6]​ La colección más antigua y más grande de instrumentos musicales prehistóricos se encontró en China y data de entre el 7000 y el 5700 a. C.^[7]​

Algunos de los instrumentos musicales neolíticos identificados hasta el momento incluyen un litófono en Vietnam, cuya antigüedad se estima en 6000 años y tambores en arcilla hallados en Europa Central. Hacia el I Milenio AC surge el tambor de bronce o gong.^[8]​

En el Egipto prehistórico, la música y los cánticos acompañaban habitualmente los trabajos agrarios, que convocaban grandes grupos de personas, y las ceremonias rituales.^[9]​

La evidencia de los instrumentos musicales egipcios se remonta al período predinástico, cuando los cánticos funerarios desempeñaban un papel importante en La religión egipcia. Existen registros de la utilización, en etapas sucesivas, de todas las categorías de instrumentos musicales: percusión, viento y cuerdas. Los instrumentos de percusión incluían tambores de mano, cascabeles, castañuelas, campanas y el sistro. Los instrumentos de viento incluían flautas (dobles y simples, con lengüetas y sin ellas) y trompetas. Los instrumentos de cuerda incluían arpas, liras y laúdes.^[10]​
Algunos instrumentos, como los címbalos y las campanas, los hydraulis y las flautas de Pan fueron introducidos en la época ptolemaica. Desde Oriente Medio, ya en la etapa del Imperio Nuevo, se introdujeron la lira y el laúd, este último construido con dos tipos de materiales (caparazón de tortuga o madera) sobre la base de dos diseños diferentes.^[11]​

La civilización del valle del Indo tiene esculturas que muestran instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se han recuperado varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo Daro mediante excavaciones realizadas por Sir Mortimer Wheeler.^[12]​

Según las Escrituras, Jubal era el padre de arpistas y organistas (Génesis 4: 20–21). El arpa estaba entre los principales instrumentos y el favorito de David, y se menciona más de cincuenta veces en la Biblia. Fue utilizado tanto en ceremonias alegres como tristes, y su uso fue "elevado a su máxima perfección bajo David" (1 Sam. 16:23). Lockyer agrega que "fue la dulce música del arpa lo que a menudo despojó a Saúl de su melancolía (1 Sam. 16: 14–23; 18: 10–11).^[13]​ ^: 46 Cuando los judíos estaban cautivos en Babilonia, colgaban sus arpas y se negaron a usarlas mientras estaban en el exilio, antes formaban parte de los instrumentos utilizados en el Templo (1 Kgs. 10:12). Otro instrumento de cuerda de la clase de arpa, y también utilizado por los antiguos griegos, fue el lira. Un instrumento similar era el laúd, que tenía un gran cuerpo en forma de pera, cuello largo y diapasón con trastes con tornillos de cabeza para afinar. Las monedas que exhibían instrumentos musicales, la moneda Bar Kochba Revuelta, fueron emitidas por los judíos durante la Segunda Judía Rebelión contra el Imperio Romano de 132-135 dC Además de esos, estaba el salterio, otro instrumento de cuerda al que se hace referencia casi treinta veces en las Escrituras. Según Josefo, tenía doce cuerdas y se tocaba con una pluma, no con la mano. Otro escritor sugirió que era como una guitarra, pero con una forma triangular plana y ensartada de lado a lado.^[13]​ ^: 49

Entre los instrumentos de viento utilizados en el período bíblico estaban la corneta, flauta, trompa, órgano, pipa y trompeta.^[13]​ ^: 50 También había trompetas de plata y el oboe doble. Werner concluye que de las mediciones tomadas de las trompetas en el Arco de Tito en Roma y de las monedas, que "las trompetas eran muy agudas con un cuerpo delgado y un sonido estridente". Agrega que en War of the Sons of Light Against the Sons of Darkness, un manual para la organización militar y la estrategia descubierta entre los Rollos del Mar Muerto, estas trompetas "parecen claramente capaces de regular su tono con bastante precisión, ya que se supone que sonarán bastante señales complicadas al unísono ".^[14]​ Whitcomb escribe que el par de trompetas de plata fueron creadas de acuerdo con la ley mosaica y probablemente se encontraban entre los trofeos que el Emperador Tito trajo a Roma cuando conquistó Jerusalén. Agrega que en el Arco elevado al victorioso Tito, "hay un relieve esculpido de estas trompetas, que muestran su forma antigua" (ver foto)^[15]​

La flauta se usaba comúnmente para ocasiones festivas y de luto, según Whitcomb. "Incluso el hebreo más pobre se vio obligado a emplear dos flautistas para actuar en el funeral de su esposa".^[15]​ El shofar (el cuerno de un carnero) todavía se usa para fines litúrgicos especiales, como los servicios del Año Nuevo judío en las comunidades ortodoxas. Como tal, no se considera un instrumento musical sino un instrumento de simbolismo teológico que se ha mantenido intencionalmente en su carácter primitivo. En la antigüedad se usaba para advertir del peligro, para anunciar la luna nueva o el comienzo del sábado, o para anunciar la muerte de un notable. "En su uso estrictamente ritual, llevó los gritos de la multitud a Dios", escribe Werner.^[14]​

Entre los instrumentos de percusión había campanas, platillos, sistrum, tabret, tambores de mano y panderetas. El tabret, o timbrel, era un pequeño tambor de mano utilizado para ocasiones festivas, y se consideraba un instrumento de mujer. En los tiempos modernos fue utilizado a menudo por el Ejército de Salvación. Según la Biblia, cuando los hijos de Israel salieron de Egipto y cruzaron el Mar Rojo, " Miriam tomó un timbre en sus manos; y todas las mujeres salieron tras ella con timbales y con danza". ^[13]​

En la antigua Grecia, los instrumentos de toda la música se pueden dividir en tres categorías,^[16]​ función de cómo se produce el sonido: cuerda, viento y percusión. Los siguientes fueron algunos de los instrumentos utilizados en la música de la antigua Grecia:

• la lira : un instrumento de cuerda rasgueado y ocasionalmente tocado, esencialmente una cítara manual construida sobre un marco de caparazón de tortuga, generalmente con siete o más cuerdas afinadas a las notas de uno de los modos. La lira se usaba para acompañar a otros o incluso a uno mismo para recitar y cantar.
• El kithara, también un instrumento de cuerda rasgueado, más complicado que la lira. Tenía un marco tipo caja con cuerdas estiradas desde la barra transversal en la parte superior hasta la caja de resonancia en la parte inferior; se mantuvo en posición vertical y se jugó con una púa. Las cuerdas se podían ajustar ajustando cuñas de madera a lo largo de la barra transversal.
• Los aulos, generalmente dobles, que consisten en dos tubos de doble caña (como un oboe), no unidos, pero generalmente ejecutados con una banda de boca para sostener ambos tubos constantemente entre los labios del jugador. Las reconstrucciones modernas indican que produjeron un sonido bajo, parecido al clarinete. Existe cierta confusión sobre la naturaleza exacta del instrumento; Las descripciones alternativas indican el uso de cañas simples en lugar de cañas dobles.
• Las pipas Pan, también conocidas como panflute y syrinx (en griego συριγξ), (llamada la ninfa que fue transformada en una caña para esconderse de Pan ) es un antiguo instrumento musical basado en el principio de la pipa parada, que consiste de una serie de tales tuberías de longitud gradualmente creciente, sintonizadas (cortando) a la escala deseada. El sonido se produce soplando a través de la parte superior de la tubería abierta (como soplando a través de la tapa de una botella).
• El hydraulis, un instrumento de teclado, el precursor del órgano moderno. Como su nombre lo indica, el instrumento usó agua para suministrar un flujo constante de presión a las tuberías. Han sobrevivido dos descripciones detalladas: la de Vitruvio^[17]​ y la Garza de Alejandría.^[18]​ Estas descripciones se refieren principalmente al mecanismo del teclado y al dispositivo por el cual se suministró aire al instrumento. Se encontró un modelo bien conservado en cerámica en Cartago en 1885. Esencialmente, el aire a las tuberías que producen el sonido proviene de un cofre de viento conectado por una tubería a una cúpula; se bombea aire para comprimir el agua, y el agua se eleva en el domo, comprimiendo el aire y provocando un suministro constante de aire a las tuberías.^[19]​

En la Eneida, Virgilio hace numerosas referencias a la trompeta. La lira, el kithara, los aulos, los hydraulis (órgano de agua) y la trompeta llegaron a la música de la antigua Roma.

Los romanos pueden haber tomado prestado el método griego de 'notación enchiriádica' para guardar su música, si es que usaron alguna notación. Cuatro letras (en notación inglesa 'A', 'G', 'F' y 'C') indicaron una serie de cuatro tonos sucesivos. Los signos de ritmo, escritos sobre las letras, indicaban la duración de cada nota. El arte romano representa varios instrumentos de viento de madera, metal, percusión e instrumentos de cuerda. Los instrumentos de estilo romano se encuentran en partes del Imperio donde no se originaron, e indican que la música fue uno de los aspectos de la cultura romana que se extendió por todas las provincias.

Los instrumentos romanos incluyen:

• La tuba romana era una trompeta larga y recta de bronce con una boquilla cónica desmontable. Los ejemplos existentes tienen aproximadamente 1.3 metros de largo y tienen un orificio cilíndrico desde la boquilla hasta el punto donde la campana se expande abruptamente, similar a la trompeta recta moderna que se ve en las presentaciones de 'música de época'. Como no había válvulas, la tuba solo era capaz de una sola serie de armónicos. En el ejército, se usaba para " llamadas de cornetas ". La tuba también se representa en el arte, como mosaicos que acompañan a los juegos ( ludi ) y eventos de espectáculos.
• El cornu (latín "cuerno") era un instrumento de viento de metal tubular largo que se curvaba alrededor del cuerpo del músico, con forma de G mayúscula. Tenía un agujero cónico (nuevamente como una trompa) y una boquilla cónica. Puede ser difícil distinguirlo de la buccina. El cornu fue utilizado para señales militares y en desfiles. El cornicen era un oficial de señales militares que traducía las órdenes en llamadas. Al igual que la tuba, el cornu también aparece como acompañamiento para eventos públicos y espectáculos de entretenimiento.
• La tibia ( aulos griegos - αὐλός ), generalmente doble, tenía dos tubos de doble caña (como en un oboe moderno), no unidos, pero generalmente jugados con un capistrum de banda bucal para sostener ambos tubos constantemente entre los labios del jugador.
• Los askaules - una gaita.
• Las versiones de la moderna flauta y flauta de pan.
• La lira, prestada de los griegos, no era un arpa, sino que tenía un cuerpo de madera resonante o un caparazón de tortuga cubierto de piel, y brazos de cuerno o madera animal, con cuerdas estiradas desde una barra transversal hasta el cuerpo sonoro.
• El cithara era el principal instrumento musical de la antigua Roma y se tocaba en formas populares y elevadas de música. Más grande y más pesado que una lira, el cithara era un instrumento ruidoso, dulce y penetrante con capacidad de afinación de precisión.
• El laúd ( pandura o monochord ) era conocido por varios nombres entre los griegos y los romanos. En la construcción, el laúd difiere de la lira en tener menos cuerdas estiradas sobre un cuello sólido o un traste, en el que las cuerdas se pueden detener para producir notas graduadas. Cada cuerda de laúd es capaz de producir una mayor gama de notas que una cuerda de lira. Aunque los laúdes de cuello largo se representan en el arte de Mesopotamia ya en 2340-2198 a. C., y también aparecen en la iconografía egipcia, el laúd en el mundo grecorromano era mucho menos común que la lira y la cithara. Se cree que el laúd de Occidente medieval debe más al oud árabe, de donde deriva su nombre ( al ʿūd ).
• El órgano de tubería hidráulica ( hydraulis ), que funcionaba por presión de agua, era "uno de los logros técnicos y musicales más importantes de la antigüedad". Esencialmente, el aire a las tuberías que producen el sonido proviene de un mecanismo de un cofre de viento conectado por una tubería a una cúpula; se bombea aire para comprimir el agua, y el agua sube en el domo, comprimiendo el aire y haciendo que un suministro constante llegue a las tuberías (también vea Pipe organ # History ). Los hidráulicos acompañaron concursos de gladiadores y eventos en la arena, así como representaciones teatrales.
• Variaciones de un dispositivo con bisagras de madera o metal, llamado escabellum, utilizado para vencer el tiempo. Además, hubo varios sonajeros, campanas y panderetas.
• Instrumentos de batería y percusión como timbales y castañuelas, sistrum egipcio y sartenes de bronce, sirvieron para varios propósitos musicales y de otro tipo en la antigua Roma, incluidos fondos para danza rítmica, ritos de celebración como los de las bacantes y usos militares.
• El sistrum era un sonajero que consistía en anillos colgados de las barras transversales de un marco de metal, que a menudo se usaba con fines rituales.
• Cymbala (Lat. Plural de cymbalum, del griego kymbalon ) eran platillos pequeños: discos de metal con centros cóncavos y bordes torneados, utilizados en pares que se enfrentaban.

Una serie de instrumentos musicales utilizados más adelante en la música europea medieval fueron influenciados por los musicales árabes instrumentos, incluido el rabel (un antecesor del violín ) de la rebab y la Naker de naqareh. ^[20]​ Muchos instrumentos europeos tienen raíces en instrumentos orientales anteriores que fueron adoptados del mundo islámico.^[21]​ El rabāb árabe, también conocido como el violín con púas, es el primer instrumento de cuerda con arco conocido y el antepasado de todos los instrumentos de arco europeos, incluidos el rebec, la lyra bizantina y el violín.^[22]​^[23]​

Las versiones arrancadas e inclinadas del rebab existían una al lado de la otra.^[24]​ Los instrumentos inclinados se convirtieron en el rebec o rabel y los instrumentos punteados se convirtieron en la cisterna. Curt Sachs vinculó este instrumento con la mandola, el kopuz y el gambus, y nombró la versión inclinada rabâb.^[24]​

El oud árabe en la música islámica fue el antepasado directo del laúd europeo.^[25]​ El oud también se cita como precursor de la guitarra moderna.^[26]​ La guitarra tiene raíces en el oud de cuatro cuerdas, traído a Iberia por los moros en el siglo VIII.^[27]​ Un antepasado directo de la guitarra moderna es la guitarra morisca (Guitarra morisca), que estaba en uso en España en 1200. En el siglo XIV, simplemente se la conocía como guitarra.^[28]​

El origen de los instrumentos musicales automáticos se remonta al siglo IX, cuando los hermanos persas de Banū Mūsā inventaron un órgano hidroeléctrico utilizando cilindros intercambiables con clavijas,^[29]​ y también una máquina automática para tocar flautas que usa energía de vapor.^[30]​^[31]​ Estos fueron los primeros instrumentos musicales mecánicos automatizados.^[29]​ El flautista automático de los hermanos Banu Musa fue el primer dispositivo musical programable, el primer secuenciador musical,^[32]​ y el primer ejemplo de tecnología de música repetitiva, impulsado por sistemas hidráulicos.^[33]​

En 1206, el ingeniero árabe Al-Jazari inventó una banda de autómatas humanoides programables.^[29]​ Según Charles B. Fowler, los autómatas eran una " banda de robots " que realizaba "más de cincuenta acciones faciales y corporales durante cada selección musical".^[29]​ También fue la primera caja de ritmos programable. Entre los cuatro músicos autómatas, dos eran bateristas. Era una caja de ritmos donde las clavijas ( levas ) chocaban con pequeñas palancas que operaban la percusión. Se podría hacer que los bateristas tocasen ritmos diferentes y patrones de batería diferentes si se movieran las clavijas.^[34]​

Durante la era de la música medieval (476 a 1400), las melodías sencillas utilizadas para las canciones religiosas eran principalmente monofónicas (una sola línea, melodía no acompañada). En los primeros siglos de la era medieval, estos cantos fueron enseñados y difundidos por la tradición oral ("de oído"). La música medieval más antigua no tenía ningún tipo de sistema de notación para escribir melodías. Mientras Roma intentaba estandarizar los diversos cantos a través de vastas distancias de su imperio, se necesitaba una forma de notación musical para escribir las melodías. Se introdujeron varios signos escritos sobre los textos del canto, llamados neumes. En el siglo IX, se estableció firmemente como el método principal de notación musical. El siguiente desarrollo en notación musical fue "neumes elevados", en el que los neumes se colocaron cuidadosamente a diferentes alturas entre sí. Esto permitió a los neumes dar una indicación aproximada del tamaño de un intervalo dado, así como la dirección.

Esto condujo rápidamente a una o dos líneas, cada una representando una nota en particular, que se colocaron en la música con todos los neumes relacionados con ellas. La línea o líneas actuaron como punto de referencia para ayudar al cantante a determinar qué notas eran más altas o más bajas. Al principio, estas líneas no tenían un significado particular y, en cambio, tenían una letra colocada al principio que indicaba qué nota estaba representada. Sin embargo, las líneas que indican C central y la F un quinto debajo lentamente se hicieron más comunes. La finalización del personal de cuatro líneas generalmente se atribuye a Guido d 'Arezzo (c. 1000-1050), uno de los teóricos musicales más importantes de la Edad Media. El sistema de notación neumática, incluso en su estado completamente desarrollado, no definió claramente ningún tipo de ritmo para el canto de notas o la ejecución de melodías. El desarrollo de la notación musical hizo que fuera más rápido y fácil enseñar melodías a nuevas personas, y facilitó la difusión de la música a largas distancias geográficas.

Los instrumentos utilizados para interpretar música medieval incluyen versiones anteriores, menos mecánicamente sofisticadas, de una serie de instrumentos que continuaron siendo utilizados en la década de 2010. Los instrumentos medievales incluyen la flauta, que estaba hecha de madera y se podía hacer como un instrumento de soplado lateral o extremo (carecía de las complejas llaves de metal y almohadillas herméticas de las flautas de metal de la era de 2010); la grabadora de madera y el instrumento relacionado llamado gemshorn ; y la flauta de pan (un grupo de columnas de aire unidas). La música medieval usaba muchos instrumentos de cuerda pulsada como el laúd, mandore, gittern y salterio. Los dulcímeros, similares en estructura al salterio y cítara, fueron arrancados originalmente, pero fueron golpeados por martillos en el siglo XIV después de la llegada de la nueva tecnología que hizo posible las cuerdas de metal.

También se usaron cuerdas arqueadas. La lira arqueada del Imperio bizantino fue el primer instrumento de cuerda arqueada europeo registrado. El geógrafo persa Ibn Khurradadhbih del siglo IX (m. 911) citó a la lyra bizantina como un instrumento inclinado equivalente al rabāb árabe e instrumento típico de los bizantinos junto con el urghun (órgano), shilyani (probablemente un tipo de arpa o lira) y el salandj (probablemente una gaita).^[36]​ El hurdy-gurdy era un violín mecánico que usaba una rueda de madera rosinada unida a una manivela para "inclinar" sus cuerdas. Los instrumentos sin cajas de sonido como el arpa de mandíbula también fueron populares en la época. Las primeras versiones del órgano, el violín (o vielle ) y el trombón (llamado sackbut ) existieron en la época medieval.

La era de la música del Renacimiento (c. 1400 a 1600) vio el desarrollo de muchas nuevas tecnologías que afectaron el desempeño y la distribución de canciones y piezas musicales. Alrededor de 1450, se inventó la imprenta, lo que hizo que las partituras impresas fueran mucho menos costosas y fáciles de producir en masa (antes de la invención de la imprenta, toda la música anotada se copiaba laboriosamente a mano). La mayor disponibilidad de partituras impresas ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente y en un área geográfica más grande.

Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras de instrumentos que habían existido previamente en la era medieval. Los instrumentos de latón en el Renacimiento fueron tradicionalmente tocados por profesionales. Algunos de los instrumentos de metal más comunes que se tocaron incluyen:

• Trompeta deslizante: similar al trombón de hoy, excepto que en lugar de que una sección del cuerpo se deslice, solo una pequeña parte del cuerpo cerca de la boquilla y la boquilla en sí son estacionarias.
• Cornett : Hecho de madera y se tocaba como la grabadora, pero soplaba como una trompeta.
• Trompeta : las primeras trompetas de la época del Renacimiento no tenían válvulas, y estaban limitadas a los tonos presentes en la serie de armónicos. También se hicieron en diferentes tamaños.
• Sackbut : un nombre diferente para el trombón, que reemplazó la trompeta deslizante a mediados del siglo XV.

Instrumentos de cuerda incluidos:

• Viol : este instrumento, desarrollado en el siglo XV, comúnmente tiene seis cuerdas. Por lo general, se jugaba con un arco.
• Lira : Su construcción es similar a un arpa pequeña, aunque en lugar de ser arrancada, se rasguea con una púa. Sus cadenas varían en cantidad de cuatro, siete y diez, dependiendo de la época. Se jugó con la mano derecha, mientras que la mano izquierda silenció las notas que no se deseaban. Las liras más nuevas fueron modificadas para jugarse con un arco.
• Hurdy-gurdy : (También conocido como el violín de la rueda), en el que las cuerdas son sonadas por una rueda por la que pasan las cuerdas. Su funcionalidad se puede comparar con la de un violín mecánico, ya que su arco (rueda) es girado por una manivela. Su sonido distintivo se debe principalmente a sus "cuerdas de dron" que proporcionan un tono constante similar en su sonido al de la gaita.
• Gittern y mandore : estos instrumentos se utilizaron en toda Europa. Precursores de instrumentos modernos como la mandolina y la guitarra acústica.

Instrumentos de percusión incluidos:

• Pandereta : La pandereta es un tambor de marco equipado con jingles que producen un sonido cuando se golpea el tambor.
• Judío arpa : un instrumento que produce sonido usando formas de la boca e intentando pronunciar diferentes vocales con la boca.

Instrumentos de viento de madera incluidos:

• Shawm : Un shawm típico no tiene llave y mide aproximadamente un pie de largo con siete agujeros para los dedos y un agujero para el pulgar. Las tuberías también estaban hechas comúnmente de madera y muchas de ellas tenían tallas y decoraciones. Fue el instrumento de doble caña más popular del período del Renacimiento; Se usaba comúnmente en las calles con tambores y trompetas debido a su sonido brillante, penetrante y a menudo ensordecedor. Para jugar al shawm, una persona pone toda la caña en la boca, hincha las mejillas y sopla en la tubería mientras respira por la nariz.

• Tubo de lámina : hecho de un solo bastón corto con una boquilla, cuatro o cinco agujeros para los dedos, y fabricado con lámina. La caña se hace cortando una pequeña lengua, pero dejando la base unida. Es el predecesor del saxofón y el clarinete.
• Hornpipe : Igual que el tubo de lámina pero con una campana al final.
• Gaita / vejiga: utilizaba una bolsa hecha de piel de oveja o cabra que proporcionaría presión de aire para una tubería. Cuando su jugador respira, el jugador solo necesita apretar la bolsa debajo de su brazo para continuar con el tono. El tubo de la boca tiene una simple pieza redonda de cuero con bisagras en el extremo de la bolsa del tubo y actúa como una válvula de retención. La caña se encuentra dentro de la larga boquilla de metal, conocida como bocal.
• Panpipe : diseñado para tener dieciséis tubos de madera con un tapón en un extremo y abierto en el otro. Cada tubo tiene un tamaño diferente (lo que produce un tono diferente), lo que le da un rango de octava y media. El jugador puede colocar sus labios contra el tubo deseado y soplarlo.
• Flauta transversal : la flauta transversal es similar a la flauta moderna con un orificio de boca cerca del extremo tapado y orificios para los dedos a lo largo del cuerpo. El jugador sopla en el costado y sostiene la flauta hacia el lado derecho.
• Grabadora : Utiliza una boquilla de silbato, que es una boquilla con forma de pico, como su principal fuente de producción de sonido. Generalmente se hace con siete agujeros para los dedos y un agujero para el pulgar.

Durante la era barroca de la música (ca. 1600-1750), se desarrollaron tecnologías para instrumentos de teclado, lo que condujo a mejoras en los diseños de órganos de tubos y clavecines, y al desarrollo de los primeros pianos. Durante el período barroco, los constructores de órganos desarrollaron nuevos tipos de tubos y cañas que crearon nuevos colores tonales. Los constructores de órganos crearon nuevas paradas que imitaban varios instrumentos, como la viola da gamba. El período barroco se considera a menudo como la "edad de oro" de la construcción de órganos, ya que prácticamente todos los refinamientos importantes del instrumento llegaron a su punto máximo. Constructores como Arp Schnitger, Jasper Johannsen, Zacharias Hildebrandt y Gottfried Silbermann construyeron instrumentos que mostraban una artesanía exquisita y un sonido hermoso. Estos órganos presentaban acciones mecánicas clave bien equilibradas, que le daban al organista un control preciso sobre el discurso de la tubería. Los órganos de Schnitger presentaban timbres de caña particularmente distintivos y grandes divisiones de Pedal y Rückpositiv.

Los constructores de clavecines en el sur de los Países Bajos construyeron instrumentos con dos teclados que podrían usarse para la transposición. Estos instrumentos flamencos sirvieron como modelo para la construcción de clavecines de la era barroca en otras naciones. En Francia, los teclados dobles se adaptaron para controlar diferentes coros de cuerdas, haciendo un instrumento más flexible musicalmente (p. Ej., El manual superior se podía poner en una parada de laúd silencioso, mientras que el manual inferior se podía parar con coros de cuerdas múltiples, para un sonido más fuerte). Los instrumentos de la cima de la tradición francesa, de fabricantes como la familia Blanchet y Pascal Taskin, se encuentran entre los clavecines más admirados y se utilizan con frecuencia como modelos para la construcción de instrumentos modernos. En Inglaterra, las firmas Kirkman y Shudi produjeron clavecines sofisticados de gran poder y sonoridad. Los constructores alemanes ampliaron el repertorio de sonido del instrumento agregando coros de dieciséis pies, agregando al registro inferior y dos coros de pie, que agregaron al registro superior.

El piano fue inventado durante la era barroca por el experto fabricante de clavecines Bartolomeo Cristofori (1655–1731) de Padua, Italia, quien fue empleado por Ferdinando de 'Medici, Gran Príncipe de Toscana. Cristofori inventó el piano en algún momento antes de 1700.^[37]​^[38]​ Mientras que el clavicordio permitía un control expresivo del volumen, con pulsaciones de teclas más fuertes o más fuertes creando un sonido más fuerte (y viceversa) y notas bastante sostenidas, era demasiado silencioso para grandes actuaciones. El clavecín produjo un sonido suficientemente fuerte, pero ofreció poco control expresivo sobre cada nota. Presionar una tecla de clavecín más fuerte o más suave no tuvo ningún efecto en el volumen del instrumento. El piano ofreció lo mejor de ambos, combinando volumen con control dinámico. El gran éxito de Cristofori fue resolver, sin ningún ejemplo previo, el problema mecánico fundamental del diseño del piano: el martillo debe golpear la cuerda, pero no permanecer en contacto con ella (ya que una tangente permanece en contacto con una cuerda de clavicordio) porque esto humedecería el sonar. Además, el martillo debe volver a su posición de reposo sin rebotar violentamente, y debe ser posible repetir la misma nota rápidamente. La acción de piano de Cristofori fue un modelo para los muchos enfoques de las acciones de piano que siguieron. Los primeros instrumentos de Cristofori eran mucho más fuertes y tenían más sostenimiento que el clavicordio. Aunque el piano fue inventado en 1700, el clavicordio y el órgano de tubos continuaron siendo ampliamente utilizados en conciertos de orquesta y música de cámara hasta finales de 1700. Le tomó tiempo al nuevo piano ganar popularidad. Sin embargo, en 1800, el piano generalmente se usaba en lugar del clavecín (aunque el órgano de tubos seguía usándose en la música de la iglesia, como las misas).

Desde aproximadamente 1790 en adelante, el piano de la era de Mozart experimentó enormes cambios que condujeron a la forma moderna del instrumento. Esta revolución fue en respuesta a la preferencia de los compositores y pianistas por un sonido de piano más potente y sostenido, y fue posible gracias a la Revolución Industrial en curso con recursos tales como alambre de piano de acero de alta calidad para cuerdas y fundición de precisión para la producción de hierro. marcos. Con el tiempo, el rango tonal del piano también aumentó de las cinco octavas del día de Mozart al rango de más de 7 que se encuentra en los pianos modernos. El progreso tecnológico temprano debía mucho a la firma de Broadwood. John Broadwood se unió a otro escocés, Robert Stodart, y un holandés, Americus Backers, para diseñar un piano en el caso del clavicordio, el origen del "gran". Lo lograron alrededor de 1777. Rápidamente se ganaron una reputación por el esplendor y el tono potente de sus instrumentos, con Broadwood construyendo unos que eran progresivamente más grandes, más fuertes y más robustos.

Enviaron pianos a Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven, y fueron la primera empresa en construir pianos con un rango de más de cinco octavas: cinco octavas y un quinto (intervalo) durante la década de 1790, seis octavas en 1810 (Beethoven usó el extra notas en sus trabajos posteriores), y siete octavas para 1820. Los fabricantes vieneses siguieron de manera similar estas tendencias; Sin embargo, las dos escuelas utilizaron diferentes acciones de piano: Broadwoods eran más robustos, los instrumentos vieneses eran más sensibles.

La instrumentación de Beethoven para orquesta agregó flautín, contrabajo y trombones al final triunfal de su Sinfonía n.º 5. Un flautín y un par de trombones ayudan a generar tormenta y sol en la Sexta. El uso de Beethoven de flautín, contrabajo, trombones y percusión sintonizada en su Novena Sinfonía amplió el sonido de la orquesta.

Durante la era de la música romántica (c. 1810 a 1900), una de las formas clave en que las nuevas composiciones se dieron a conocer al público fue mediante la venta de partituras, que los amantes de la música aficionada tocarían en casa en su piano o en grupos de música de cámara, como cuartetos de cuerda. Los saxofones comenzaron a aparecer en algunas partituras de orquesta del siglo XIX. Si bien aparece solo como instrumentos solistas destacados en algunas obras, por ejemplo, la orquestación de Maurice Ravel de las imágenes en una exposición de Modest Mussorgsky y las danzas sinfónicas de Sergei Rajmáninov, el saxofón se incluye en otras obras, como Boléro de Ravel, Serguéi Prokófiev 's Romeo y Julieta Suites 1 y 2. El euphonium se presenta en algunas obras románticas tardías y del siglo XX, generalmente interpretando partes marcadas como "tuba tenor", incluyendo The Planets de Gustav Holst y Ein Heldenleben de Richard Strauss. La tuba Wagner, un miembro modificado de la familia de los cuernos, aparece en el ciclo Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner y en varias otras obras de Strauss, Béla Bartók y otros; tiene un papel destacado en la Sinfonía n.º 7 de Anton Bruckner en mi mayor.^[39]​ cornetas aparecen en el ballet Swan Lake de Pyotr Ilyich Chaikovski, La Mer de Claude Debussy y en varias obras orquestales de Hector Berlioz.

El piano continuó experimentando desarrollos tecnológicos en la era romántica, hasta la década de 1860. En la década de 1820, el centro de innovación en la construcción de pianos se había trasladado a París, donde la firma Pleyel fabricaba pianos utilizados por Frédéric Chopin y la firma Érard fabricaba los utilizados por Franz Liszt. En 1821, Sébastien Érard inventó la acción de doble escape, que incorporó una palanca de repetición (también llamada balanza ) que permitía repetir una nota incluso si la tecla aún no había alcanzado su posición vertical máxima. Esto facilitó la reproducción rápida de notas repetidas, un dispositivo musical explotado por Liszt. Cuando la invención se hizo pública, según la revisión de Henri Herz, la acción de doble escape se convirtió gradualmente en estándar en los pianos de cola, y todavía se incorpora a todos los pianos de cola actualmente producidos. Otras mejoras del mecanismo incluyeron el uso de revestimientos de martillo de fieltro en lugar de cuero o algodón en capas. El fieltro, que fue presentado por primera vez por Jean-Henri Pape en 1826, era un material más consistente, permitiendo rangos dinámicos más amplios a medida que aumentaban los pesos de los martillos y la tensión de las cuerdas. El pedal sostenuto, inventado en 1844 por Jean-Louis Boisselot y copiado por la firma Steinway en 1874, permitió una gama más amplia de efectos.

Una innovación que ayudó a crear el sonido del piano moderno fue el uso de un fuerte marco de hierro. También llamado "placa", el marco de hierro se asienta sobre la caja de resonancia y sirve como el baluarte principal contra la fuerza de la tensión de la cuerda que puede superar las 20 toneladas en un gran moderno. El marco de hierro fundido de una sola pieza fue patentado en 1825 en Boston por Alpheus Babcock,^[40]​ combinando la placa de metal del pasador de enganche (1821, reclamada por Broadwood en nombre de Samuel Hervé) y barras resistentes (Thom y Allen, 1820, pero también afirmó por Broadwood y Érard). La mayor integridad estructural del marco de hierro permitió el uso de cuerdas más gruesas, más tensas y más numerosas. En 1834, la firma Webster & Horsfal de Birmingham sacó una forma de alambre de piano hecha de acero fundido ; Según Dolge, era "tan superior al alambre de hierro que la empresa inglesa pronto tuvo el monopolio".^[41]​

Otros avances importantes incluyeron cambios en la forma en que se colga el piano, como el uso de un "coro" de tres cuerdas en lugar de dos para todas las notas excepto las más bajas, y la implementación de una escala con cuerdas excesivas, en la que las cuerdas son colocado en dos planos separados, cada uno con su propia altura de puente. La estructura de acción mecánica del piano vertical fue inventada en Londres, Inglaterra en 1826 por Robert Wornum, y los modelos verticales se convirtieron en el modelo más popular, también amplificando el sonido.^[42]​

Con la música del siglo XX, hubo un gran aumento en la escucha de música, ya que la radio ganó popularidad y los fonógrafos se usaron para reproducir y distribuir música. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música dieron lugar a nuevos subgéneros de la música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica acústica^[43]​ y Musique concrète. La grabación de sonido también fue una influencia importante en el desarrollo de géneros musicales populares, ya que permitió que las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia en la música rock, ya que podía hacer mucho más que grabar la actuación de una banda. Utilizando un sistema multipista, una banda y su productor musical podrían sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una actuación en vivo.

La orquesta del siglo XX fue mucho más flexible que sus predecesoras.^[44]​ En la época de Beethoven y Felix Mendelssohn, la orquesta estaba compuesta por un núcleo bastante estándar de instrumentos que rara vez se modificaba. A medida que pasaba el tiempo, y a medida que el período romántico vio cambios en la modificación aceptada con compositores como Berlioz y Mahler, el siglo XX vio que el compositor prácticamente podía elegir la instrumentación. Los saxofones se usaron en algunas partituras de orquesta del siglo XX, como las Sinfonías 6 y 9 de Vaughan Williams y la Fiesta de Belshazzar de William Walton, y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. En la década de 2000, la orquesta moderna se estandarizó con la instrumentación moderna que incluye una sección de cuerda, instrumentos de viento de madera, instrumentos de metal, percusión, piano, celeste e incluso, para algunas obras del siglo XX o XXI, instrumentos eléctricos como guitarra eléctrica, eléctrica. bajo y / o instrumentos electrónicos como el Theremin o el sintetizador.

La tecnología de música eléctrica se refiere a instrumentos musicales y dispositivos de grabación que utilizan circuitos eléctricos, que a menudo se combinan con tecnologías mecánicas. Ejemplos de instrumentos musicales eléctricos incluyen el piano eléctrico electromecánico (inventado en 1929), la guitarra eléctrica (inventada en 1931), el órgano Hammond electromecánico (desarrollado en 1934) y el bajo eléctrico (inventado en 1935). Ninguno de estos instrumentos eléctricos produce un sonido que sea audible para el intérprete o la audiencia en un entorno de actuación a menos que estén conectados a amplificadores de instrumentos y gabinetes de altavoces, lo que los hizo sonar lo suficientemente alto como para que los intérpretes y la audiencia los escuchen. Los amplificadores y altavoces están separados del instrumento en el caso de la guitarra eléctrica (que usa un amplificador de guitarra ), bajo eléctrico (que usa un amplificador de bajo ) y algunos órganos eléctricos (que usan un altavoz Leslie o un gabinete similar) y pianos eléctricos. Algunos órganos eléctricos y pianos eléctricos incluyen el amplificador y la caja del altavoz dentro de la carcasa principal del instrumento.

Un piano eléctrico es un instrumento musical eléctrico que produce sonidos cuando un intérprete presiona las teclas del teclado musical estilo piano. Al presionar las teclas, los martillos mecánicos golpean cuerdas o dientes metálicos, lo que genera vibraciones que se convierten en señales eléctricas mediante captadores magnéticos, que luego se conectan a un amplificador de instrumento y un altavoz para emitir un sonido lo suficientemente alto como para que el artista y la audiencia lo escuchen. A diferencia de un sintetizador, el piano eléctrico no es un instrumento electrónico. En cambio, es un instrumento electromecánico. Algunos pianos eléctricos primitivos usaban longitudes de cable para producir el tono, como un piano tradicional. Los pianos eléctricos más pequeños usaban astillas cortas de acero, dientes de metal o alambres cortos para producir el tono. Los primeros pianos eléctricos se inventaron a fines de la década de 1920.

Una guitarra eléctrica es una guitarra que utiliza una pastilla para convertir la vibración de sus cuerdas en impulsos eléctricos. La pastilla de guitarra más común utiliza el principio de inducción electromagnética directa. La señal generada por una guitarra eléctrica es demasiado débil para activar un altavoz, por lo que se amplifica antes de enviarse a un altavoz. La salida de una guitarra eléctrica es una señal eléctrica, y la señal puede ser alterada fácilmente por circuitos electrónicos para agregar "color" al sonido. A menudo, la señal se modifica utilizando efectos electrónicos como reverberación y distorsión. Inventada en 1931, la guitarra eléctrica se convirtió en una necesidad ya que los guitarristas de jazz buscaban amplificar su sonido en el formato de banda grande.

El órgano Hammond es un órgano eléctrico, inventado por Laurens Hammond y John M. Hanert^[45]​ y fabricado por primera vez en 1935.^[46]​ Se han producido varios modelos, la mayoría de los cuales usan barras deslizantes para crear una variedad de sonidos. Hasta 1975, los órganos de Hammond generaban sonido al crear una corriente eléctrica al girar una rueda de metal cerca de una pastilla electromagnética. Se han fabricado alrededor de dos millones de órganos de Hammond, y se ha descrito como uno de los órganos más exitosos. El órgano se usa comúnmente y está asociado con el hablante Leslie. El órgano fue originalmente comercializado y vendido por Hammond Organ Company a las iglesias como una alternativa de menor costo al órgano de tubos impulsado por el viento, o en lugar de un piano. Rápidamente se hizo popular entre los líderes profesionales de la banda de jazz, quienes descubrieron que el sonido de un órgano de Hammond que llenaba la habitación podía formar pequeñas bandas, como tríos de órganos, que eran menos costosas que pagar a una gran banda entera.

El bajo eléctrico (o bajo) se inventó en la década de 1930, pero no tuvo éxito comercial ni se utilizó ampliamente hasta la década de 1950. Es un instrumento de cuerda juega principalmente con los dedos o el pulgar, por el punteo, golpeando, haciendo estallar, tocando, tocando, golpes, o recoger con una púa, a menudo conocido como un pico. El bajo es similar en apariencia y construcción a una guitarra eléctrica, pero con un cuello y una escala más largos, y cuatro o seis cuerdas o cursos. El bajo eléctrico generalmente usa cuerdas de metal y una captación electromagnética que detecta las vibraciones en las cuerdas. Al igual que la guitarra eléctrica, el bajo está conectado a un amplificador y un altavoz para actuaciones en vivo.

La tecnología de música electrónica o digital es cualquier dispositivo, como una computadora, una unidad de efectos electrónicos o software, que es utilizado por un músico o compositor para ayudar a hacer o interpretar música.^[2]​ El término generalmente se refiere al uso de dispositivos electrónicos, hardware informático y software informático que se utiliza en la interpretación, reproducción, grabación, composición, grabación y reproducción de sonido, mezcla, análisis y edición de música. La tecnología de música electrónica o digital está conectada a la creatividad artística y tecnológica. Los músicos y los expertos en tecnología musical se esfuerzan constantemente por idear nuevas formas de expresión a través de la música, y físicamente están creando nuevos dispositivos y software para que puedan hacerlo. Aunque en la década de 2010, el término se usa más comúnmente en referencia a dispositivos electrónicos modernos y software de computadora, como estaciones de trabajo de audio digital y software de grabación de sonido digital Pro Tools, las tecnologías musicales electrónicas y digitales tienen precursores en las tecnologías de música eléctrica de principios del siglo XX., como el órgano electromecánico de Hammond, que se inventó en 1929. En la década de 2010, el rango ontológico de la tecnología musical ha aumentado considerablemente, y ahora puede ser electrónico, digital, basado en software o incluso puramente conceptual.

Un sintetizador es un instrumento musical electrónico que genera señales eléctricas que se convierten en sonido a través de amplificadores de instrumentos y altavoces o auriculares. Los sintetizadores pueden imitar sonidos existentes (instrumentos, voces, sonidos naturales, etc.) o generar nuevos timbres electrónicos o sonidos que no existían antes. A menudo se tocan con un teclado musical electrónico, pero se pueden controlar a través de una variedad de otros dispositivos de entrada, incluidos secuenciadores de música, controladores de instrumentos, diapasones, sintetizadores de guitarra, controladores de viento y baterías electrónicas. Los sintetizadores sin controladores integrados a menudo se denominan módulos de sonido y se controlan mediante un dispositivo controlador.

• Cunningham, Mark (1998). Good Vibrations: a History of Record Production. London: Sanctuary Publishing Limited. 
• Edmondson, Jacquelin. Music In American Life. 
• Holmes, Thom (2008). Electronic and Experimental Music. New York: Routledge. 
• Kettlewell, Ben (2002). Electronic Music Pioneers. USA: Pro Music Press. 
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• Yfantis, Vasileios (2017). Disadvantaged Populations And Technology In Music. Athens: Createspace.